La exposición se podrá visitar durante todo el verano de 2019 en el Museo del Calzado y de la Industria (Inca, Mallorca)

Antoni Socías (Inca, Mallorca, 1955) deja traslucir en cierto modo sus orígenes familiares vinculados muy estrechamente a la industria del calzado en Inca, agrupando en genealogías de ideas diversas obras artísticas, que inspiraron en su día una de las colecciones más turbadoras de los míticos zapatos de la marca Make Up, creada en 1988 por Guillem Ferrer y anexionada a la marca Camper en el año 1991.

Arte e industria del calzado se conjugan felizmente en la obra de un artista que, precisamente, rehúye de forma deliberada y con insistencia del concepto de unicidad de la obra de arte; de los procedimientos de centralidad; de las facilidades comerciales de un estilo cautivo… La poética del desdoblamiento es, de hecho, una idea esencial a la hora de entender esta muestra, cuya eficacia expresiva depende en gran medida de la relación que se establece entre los conjuntos de piezas, realizadas en diferentes momentos pero absolutamente subordinadas e interdependientes las unas de las otras.

Si hay algo que caracteriza la obra de Antoni Socías es su habilidad para transitar a través de sus propias creaciones, como si pilotara una especie de máquina del tiempo con capacidad para romper todas las barreras de la evidencia. El artista modifica, reorganiza, repiensa y reutiliza ideas, partes de algunas obras e incluso obras completas del pasado, que se convierten en presente y que se constituyen al mismo tiempo en la semilla de nuevas creaciones para un futuro incierto. Huir del convencional concepto de evolución estilística obligada, resulta un pilar fundamental a la hora de identificar la producción de este artista, que hace del proceso de trabajo, y de la reflexión continua sobre su propia obra, una finalidad artística en sí misma.

Antoni Socías ha combinado durante muchos años su labor artística con el trabajo de comunicador y/o diseñador para las marcas Yanko o Camper y, ocasionalmente, para Carmina Shoemaker. Ha expuesto en múltiples países y su obra se puede encontrar en colecciones tan importantes como las del Museo Nacional de Arte Reina Sofía, Museo Artium Vitoria, Es Baluard, Fundació La Caixa, Fundación Sunyol y Centro Galego de Arte Contemporánea, entre muchas otras.

Aina Ferrero

Antoni Socías «Poeta sentado con sirenas» (1978 – 2010)

Zapatos»Make up» (1991) inspirados en la obra «Poeta sentado con sirenas»

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«Sería el año 1975 cuando, paseando por Barcelona, ​​entré en una tienda de «Todo a 100” de cosas curiosas y vi una estantería llena de zapatos en miniatura. Los compré todos, a 100 pesetas cada uno, y los coloqué para adornar el despacho que tenía como representante de calzado. Después de esto, tuve la idea de continuar». Así, Toni Pons, junto a su mujer Inés Català, empezó una profusa colección de zapatos singulares de todas las medidas, colores, formas, precios y procedencias.

El calzado es pues el protagonista indiscutible de una colección que se muestra en todas las formas imaginables en la exposición «EsKITSCHos de la Colección Pons-Català de zapatos en miniatura (o no)» que acoge el Museo del Calzado de Inca hasta julio de 2018.  Algunos de los más de 300 objetos expuestos no tienen más finalidad que la de ser contemplados. Otros, sin embargo, son objetos pensados ​​para ser usados ​​cotidianamente. Tan sólo hay que esmerarse un poco para darse cuenta de que estos objetos aparentemente inservibles son en realidad macetas para plantas, llaveros, mecheros, ceniceros, pasadores de pelo, huchas, joyeros, botellas y botelleros, despertadores, relojes, tazas, teteras, jarras, portaplumas, pinzas, estuches, carteras, etc. Es curioso constatar como formalmente en muchos de estos objetos se repiten motivos con perros, gatos, ratones, flores, pelotas de fútbol, ​​etc. Hay también zapatos de princesa del cuento de la Cenicienta, zapatos con imágenes religiosas, extravagantes zapatos de tacón en miniatura, alpargatas, botas, fantásticas reproducciones de zapatos de todo el mundo y souvenirs de Lluc, Galicia, Madrid, Portugal u Holanda que indiferentemente toman forma de zuecos como si fueran característicos de cada uno de estos lugares. Dentro de la colección se aprecia también una singular obsesión por los zapatos agujereados y por supuesto, una legión de mini-zapateros dispuestos a arreglarlos.

Una parte importante de esta peculiar colección está vinculada a la estética Kitsch en cuanto a la extravagancia, el eclecticismo, el predominio del color, los elementos llamativos y la acumulación de objetos formalmente diferentes. Dentro del campo de la teoría, el Kitsch ya fue estudiado por autores tan importantes de los años 30 como Broch, Benjamin, Adorno o Greenberg, que usaron el término para contraponerlo al de Vanguardia.

El Kitsch ha dominado una parte esencial de la estética popular del siglo XX. Y es que seguro que todos, en el fondo, tenemos también algo de Kitsch; puede ser algún rincón de casa lleno de figuritas de porcelana, un gato de la fortuna chino, o una vitrina con souvenirs acumulados. Lo maravilloso, sin embargo, de la colección Pons-Català, es que es el resultado de más de 40 años de la dedicación de un matrimonio de Lloseta que ha sabido combinar su pasión por el coleccionismo con su gran amor por el calzado.

#YoTambiénSoyKitsch #MuseoDelCalçzadoInca

Museu del Calçat i de la Pell d’Inca, hasta julio del 2018. Regidora: Antonia M. Sabater. Directora y comisaria: Aina Ferrero-Horrach. Diseño museográfico: Bernat Mateu, Cristina Sancho, Carlos Pozas, Carolina Crespo. Correctores lingüísticos: Jaume Tortella (catalán) y Juan José Segura-Sampedro (inglés).

Prensa:

https://www.eldiario.es/cultura/muestra-zapatos-Inca-espolear-sentidos_0_760475029.html

http://www.inmediatika.es/noche-de-inauguracion-en-el-museu-del-calcat-i-de-la-pell-de-inca/

http://agencias.abc.es/agencias/noticia.asp?noticia=2791389

https://fibwiradio.com/el-museo-del-calzado-de-inca-presenta-la-coleccion-eskitschos/

https://www.primiciaweb.es/inca-acoge-una-coleccion-zapatos-miniatura/

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Aura www.sandradejaume.com

Sandra De Jaume es la retratista del enigma, de la belleza impenetrable.

Su última muestra, «Ad Infinitum», es un canto melancólico de reafirmación y de consecución de madurez artística.

Esta muestra, la más ambiciosa hasta entonces llevada a cabo por la artista, pone de manifiesto la excepcional técnica de De Jaume, donde la maestría de la pintora se hace evidente en la sorprendente capacidad para plasmar en el lienzo una realidad que se nos muestra con un toque de misterio.

El enigma habita unas obras que dejan traslucir fragmentos autobiográficos que representan un deseo de reafirmación dentro del mundo, reivindicando a la vez el papel de la mujer artista y la necesidad de reubicar su importancia dentro de la historia del arte. Así, la siempre intrigante y seductora Frida Kahlo es magníficamente retratada por De Jaume como el icono artístico del feminismo, en un homenaje a la artista que transformó su sufrimiento en algo divino y esplendoroso.

De Jaume es una artista dual en la que conviven a la vez dos pintoras antagónicas. Son dos maneras diferentes de concebir la pintura que dictan la forma de trabajar las obras en cada momento. En el tratamiento de los fondos, es la pintora abstracta la que la domina, haciendo una pintura mucho más espontánea, rápida, radical. En el momento en que De Jaume afronta las figuras, absolutas protagonistas de su obra, la artista inicia un proceso pulcro, fino, absolutamente medido y milimetrado, en el que el dibujo se convierte en la estructura que vertebra magistralmente las piezas.

El espacio vacío, como símbolo de lo amenazadoramente desconocido, incomprensible, aparece descomunal en esta última colección de pinturas. La oscuridad inconmensurable que somete el autorretrato de De Jaume en el que se representa a sí misma con una mano en el pecho mirando angustiosamente hacia arriba, habla de la congoja que siente la artista en un mundo oprimido por una crisis constante de valores. Crisis que también ha llegado al mundo del arte que, en un exceso de pretendida originalidad, ha acabado por agotar al espectador.

De Jaume reivindica la importancia de la técnica pictórica como manera de reconciliarse con el público para que éste reconozca en su pintura unos valores muchas veces perdidos en las obras de otros artistas contemporáneos. El objetivo último que persigue De Jaume es propiciar que las personas, a través de su arte, puedan escapar del materialismo de una sociedad que está ganando infelicidad a pasos agigantados.

Los retratos de De Jaume despiertan las emociones del espectador aletargado que a través de los sentidos es conducido a un mundo poético e incluso onírico. Una realidad tan enrarecida como cautivadora nos es presentada como la materialización de un mundo que nos seduce por su extrañeza e innegable belleza.

Ana Ferrero-Horrach – Ciceró dArt

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Sandra De Jaume, «Levitació», 2016
www.sandradejaume.com

Sandra De Jaume, Ad Infinitum. Galería Berlin, Plaza Santa Magdalena 4A, Palma. Hasta el 31 de enero de 2017. www.sandradejaume.com

La reconocida retratista mallorquina Sandra De Jaume (Santa María del Camí, Mallorca, 1978) expone su última colección de pinturas en la Galería Berlín de Palma hasta el 31 de enero de 2017.

Esta muestra, la más ambiciosa hasta entonces llevada a cabo por la artista, hace patente la excepcional técnica de De Jaume, donde la maestría de la pintora se hace evidente en la sorprendente capacidad para plasmar en el lienzo una realidad que se nos muestra con un toque de misterio.

El enigma habita unas obras que dejan traslucir fragmentos autobiográficos que representan un deseo de reafirmación dentro del mundo, reivindicando la vez del papel de la mujer artista y la necesidad de resituar su importancia dentro de la historia del arte. Así, la siempre intrigante y seductora Frida Kahlo es magníficamente retratada por De Jaume como el icono artístico del feminismo, en un homenaje a la artista que transformó su sufrimiento en algo divino y esplendoroso.

De Jaume es una artista dual en la que conviven a la vez dos pintoras antagónicas. Son dos maneras diferentes de concebir la pintura que habitan en su interior dictando la forma de trabajar las obras en cada momento. En el fondo, es la pintora abstracta la que la domina, volviéndose la pintura mucho más espontánea, rápida, radical. En el momento en el que De Jaume afronta las figuras, absolutas protagonistas de su obra, la artista inicia un proceso pulcro, fino, absolutamente medido y milimetrado, en el que el dibujo se convierte en la estructura que vertebra magistralmente las piezas.

Los retratos de De Jaume despiertan las emociones del espectador aletargado que a través de los sentidos es conducido a un mundo poético y e incluso onírico. Una realidad tan enrarecida como cautivadora nos es presentada como la materialización de un mundo que nos seduce por su extrañeza e innegable belleza.

Ana Ferrero-Horrach. Ciceró dArt

Sandra De Jaume, «Sin título», 2016 www.sandradejaume.com

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Juan Segura, Juan Segura. Cuenta Cuarenta. Mos de Cóc, C / Blanquerna 11, Palma. 4 de agosto – 11 de septiembre de 2016.

El artista mallorquín Juan Segura (Palma, 1956), uno de los principales representantes del movimiento artístico de la isla de los años 80 y 90, inaugura una exposición para conmemorar los 40 años de una profesión que comenzó en 1976, cuando expuso individualmente por primera vez en el Cafè Es Pou Bo, lugar de encuentro de los artistas e intelectuales de la época. La muestra, que se compone de una selección de dibujos y pinturas, algunas inéditas, hace un recorrido por algunas de las piezas más significativas de Segura. Elefantes, cocodrilos, monstruos y personajes a medio camino entre lo grotesco y lo bestial pueblan un mundo de exotismo, de fantasía infinita, de color imperecedero y de primitivismo exacerbado, que se traduce en la producción de este pintor. Dibujante excepcional, pocos dibujos expresan la fuerza salvaje desde la sinceridad y desnudez del grafito como lo hacen los suyos. La muestra cuenta con la presencia de obras de dos artistas invitados: Bert (Albert Roca) y Enzo El Acqua, grandes amigos del pintor.
Ana Ferrero-Horrach.

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El Grupo de Trabajo de Bloggers Culturales de CAC Ses Voltes organiza las Jornadas de Comunicación y Cultura que se llevarán a cabo los días 1 y 2 de Abril de 2016 en el mismo CAC Ses Voltes, con la intención de reflexionar y ayudar a cubrir diversas carencias en el ámbito de la comunicación cultural en Mallorca.

El marketing y la comunicación son claves para el desarrollo de un proyecto artístico y cultural. En los últimos años se ha ido haciendo evidente en Mallorca la necesidad de establecer una estrategia clara y satisfactoria que ayude a los artistas y profesionales del sector a una proyección nacional e internacional.

Por otra parte, también se manifiesta una demanda de información cultural por parte del público mallorquín que reclama una mejor comunicación y difusión de la oferta cultural de la isla.

El viernes día 1 a las 19h se realizará la Mesa Redonda con el título: «Falla la difusió cultural a Mallorca?», De asistencia gratuita. Pepe Zapata (ex director de Marketing y Comunicación de los Mercados de las Flores), Elena Vallés (periodista cultural), Diego Ingold (artista plástico y gestor de Trampa Teatro) y Mila Abadía (Blogger de ‘Arte en Un Click’), serán los encargados plasmar diferentes puntos de vista sobre el tema, invitando a la reflexión conjunta entre todos los asistentes.

El sábado día 2 estará destinado a las jornadas de formación con contenidos de marketing cultural, planificación de la comunicación, captación y fidelización de públicos, visibilidad en Internet a través de redes sociales, privacidad, protección intelectual y protección de datos.

La cuota de inscripción para la jornada de formación del sábado es de 30 euros (+ 10 euros de comida opcional)

Para formalizar la inscripción al curso, hay que acceder al siguiente formulario:

http://goo.gl/forms/wKSXhJHvMa

Grupo de trabajo de Bloggers Culturales en el CAC Ses Voltes:
 Mila Abadía. @arteaunclick – info@arteaunclick.es
Blog: http://www.arteaunclick.es/
 Txema Álvarez @elcolordmimente – elcolordemimente@gmail.com
Blog: http://elcolordemimente.com/
 Teresa Silúrico @TeresaSiluar – tmsiluar@gmail.com
Blog: http://impressionsdumonde.me/
 Carmen Buelohá @cbueloha – inquietamental@gmail.com
Blog: http://inquietamental.com/
 Ana Ferrero @Cicero_dArt ana.fhorrach@cicerodart.com
Blog: http://www.cicerodart.com/
www.conlosojosdeana.com

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Lida Abdul, War Games (what I Saw), 2006 (video still). Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma. © de la obra: Lida Abdul, 2016

Es Baluard presenta la exposición “Waste Lands: tierras devastadas”, hasta el 19 de junio de 2016 en la planta 0 del museo.

A través de la obra de diez artistas procedentes de países como Afganistán, Argelia, Azerbaiyán, Egipto, Emiratos Árabes Unidos, Irán, Líbano, Marruecos y Palestina, la exposición aborda, desde los años dos mil hasta la actualidad, los paisajes y entornos urbanos, sociales, antropológicos y arqueológicos en países destruidos y empobrecidos por las guerras, la herencia poscolonial, la voracidad depredadora de las compañías de gas y de petróleo y la especulación energética de las potencias mundiales, el terrorismo y la violencia de los estados y de las luchas locales, políticas y religiosas. Tierras arrasadas por poderes y conflictos históricos y estructurales, convertidas en depósitos residuales de armamento, campamentos donde habitan perennemente poblaciones excluidas y familias refugiadas, ruinas expoliadas y lugares abandonados, suelos desertizados, intoxicados y estériles, fronteras de vallas electrizadas. Tierras usurpadas y bienes saqueados, lugares de sangre, crímenes y atentados cotidianos. (Piedad Solans, comisaria de la exposición)

Lida Abdul, Tamara Abdul Hadi, Zoulikha Bouabdellah, Amina Benbouchta, Gohar Dashti, Rena Effendi, Yara El-Sherbini, Mariam Ghani, Kinda Hassan, y Larissa Sansour, son las artistas seleccionadas para esta muestra, cuyas esculturas, instalaciones, vídeos, fotografías, libros y novela gráfica son la materialización de su elección de no aceptación del papel de víctimas. Desde sus posiciones fronterizas y su experiencia de la migración y los conflictos, muestran la inagotable resistencia de sus países para permanecer, adaptarse y subsistir. Denuncian la violencia y la injusticia, la explotación y el desamparo de las personas vulnerables, la destrucción de sus culturas y de sus tierras por los poderes locales y las potencias mundiales.

En eco a esta exposición, Es Baluard organiza el taller “Conflictes arreu. Com ens arriben?” (conflictos alrededor. ¿Cómo nos llegan?), que parte de un proyecto del área de Desarrollo Educativo de Es Baluard. Dirigido a niños y niñas de 6 a 12 años, tendrá lugar los sábados 2, 16, 23 y 30 de abril de 2016 a las 11:30 h. Inscripciones en el teléfono 971 908 201. Precio: 1€ per niño/a. Proyecto en colaboración con Fòrum Comunicació, Educació i Ciutadania de les Illes Balears.

Larissa Sansour, Nation Estate, 2012 (video still). Cortesía de la Galería Sabrina Amrani, Madrid © de la obra: Larissa Sansour, 2016

Gohar Dashti, Stateless, 2014-2015. Cortesía de la artista © de la obra: Gohar Dashti, 2016

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Narcisa Hirsch. Marabunta, 1967 (video still). Cortesía de la artista. © de la obra, Narcisa Hirsch, 2015

El cine experimental de la pionera Narcisa Hirsch (Berlín, 1928) se podrá ver por primera vez en España entre el 11 de marzo y el 4 de abril de 2016 en una exposición comisariada por Nekane Aramburu en Es Baluard de Palma. Dentro del contexto del proyecto Reproductibilitat, iniciado en 2013, que plantea una reflexión en torno a la imagen realizada mediante dispositivos técnicos y su relación con el arte, esta exposición se presenta como una especie de viaje retrospectivo a la trayectoria de esta artista interdisciplinaria establecida desde los cinco años en Argentina, atravesada en su obra por el devenir político de su país de acogida. A partir de la elección de tres piezas fílmicas clave que vertebran el discurso de la muestra, emplazada en el escenográfico espacio del aljub: Marabunta (1967), Come out (1971) y Rumi (1995-1999), todas originalmente en 16 mm y transferidas a DVD, el espectador tiene la oportunidad de experimentar, tal como aconseja la propia artista, el fluir de las imágenes con el sonido, sin ninguna pretensión racional sino sensitiva. Hirsch, que considera el cine experimental más cercano a la poesía que al cine, cree que es necesario que el espectador realice un cierto aprendizaje para hacerse afín a este lenguaje particular y así poder disfrutar en la recepción de sus obras.

Ana Ferrero Horrach – Ciceró dArt

Artículo publicado originalmente en Bonart el 7 de marzo de 2016: http://www.bonart.cat/actual/el-cinema-experimental-de-narcisa-hirsch-a-es-baluard/

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