Aura

Aura www.sandradejaume.com

Sandra De Jaume es la retratista del enigma, de la belleza impenetrable.

Su última muestra, “Ad Infinitum”, es un canto melancólico de reafirmación y de consecución de madurez artística.

Esta muestra, la más ambiciosa hasta entonces llevada a cabo por la artista, pone de manifiesto la excepcional técnica de De Jaume, donde la maestría de la pintora se hace evidente en la sorprendente capacidad para plasmar en el lienzo una realidad que se nos muestra con un toque de misterio.

El enigma habita unas obras que dejan traslucir fragmentos autobiográficos que representan un deseo de reafirmación dentro del mundo, reivindicando a la vez el papel de la mujer artista y la necesidad de reubicar su importancia dentro de la historia del arte. Así, la siempre intrigante y seductora Frida Kahlo es magníficamente retratada por De Jaume como el icono artístico del feminismo, en un homenaje a la artista que transformó su sufrimiento en algo divino y esplendoroso.

De Jaume es una artista dual en la que conviven a la vez dos pintoras antagónicas. Son dos maneras diferentes de concebir la pintura que dictan la forma de trabajar las obras en cada momento. En el tratamiento de los fondos, es la pintora abstracta la que la domina, haciendo una pintura mucho más espontánea, rápida, radical. En el momento en que De Jaume afronta las figuras, absolutas protagonistas de su obra, la artista inicia un proceso pulcro, fino, absolutamente medido y milimetrado, en el que el dibujo se convierte en la estructura que vertebra magistralmente las piezas.

El espacio vacío, como símbolo de lo amenazadoramente desconocido, incomprensible, aparece descomunal en esta última colección de pinturas. La oscuridad inconmensurable que somete el autorretrato de De Jaume en el que se representa a sí misma con una mano en el pecho mirando angustiosamente hacia arriba, habla de la congoja que siente la artista en un mundo oprimido por una crisis constante de valores. Crisis que también ha llegado al mundo del arte que, en un exceso de pretendida originalidad, ha acabado por agotar al espectador.

De Jaume reivindica la importancia de la técnica pictórica como manera de reconciliarse con el público para que éste reconozca en su pintura unos valores muchas veces perdidos en las obras de otros artistas contemporáneos. El objetivo último que persigue De Jaume es propiciar que las personas, a través de su arte, puedan escapar del materialismo de una sociedad que está ganando infelicidad a pasos agigantados.

Los retratos de De Jaume despiertan las emociones del espectador aletargado que a través de los sentidos es conducido a un mundo poético e incluso onírico. Una realidad tan enrarecida como cautivadora nos es presentada como la materialización de un mundo que nos seduce por su extrañeza e innegable belleza.

Ana Ferrero-Horrach – Ciceró dArt

Sandra De Jaume, "Levitació", 2016 www.sandradejaume.com

Sandra De Jaume, “Levitació”, 2016
www.sandradejaume.com

Sandra De Jaume, Ad Infinitum. Galería Berlin, Plaza Santa Magdalena 4A, Palma. Hasta el 31 de enero de 2017. www.sandradejaume.com

La reconocida retratista mallorquina Sandra De Jaume (Santa María del Camí, Mallorca, 1978) expone su última colección de pinturas en la Galería Berlín de Palma hasta el 31 de enero de 2017.

Esta muestra, la más ambiciosa hasta entonces llevada a cabo por la artista, hace patente la excepcional técnica de De Jaume, donde la maestría de la pintora se hace evidente en la sorprendente capacidad para plasmar en el lienzo una realidad que se nos muestra con un toque de misterio.

El enigma habita unas obras que dejan traslucir fragmentos autobiográficos que representan un deseo de reafirmación dentro del mundo, reivindicando la vez del papel de la mujer artista y la necesidad de resituar su importancia dentro de la historia del arte. Así, la siempre intrigante y seductora Frida Kahlo es magníficamente retratada por De Jaume como el icono artístico del feminismo, en un homenaje a la artista que transformó su sufrimiento en algo divino y esplendoroso.

De Jaume es una artista dual en la que conviven a la vez dos pintoras antagónicas. Son dos maneras diferentes de concebir la pintura que habitan en su interior dictando la forma de trabajar las obras en cada momento. En el fondo, es la pintora abstracta la que la domina, volviéndose la pintura mucho más espontánea, rápida, radical. En el momento en el que De Jaume afronta las figuras, absolutas protagonistas de su obra, la artista inicia un proceso pulcro, fino, absolutamente medido y milimetrado, en el que el dibujo se convierte en la estructura que vertebra magistralmente las piezas.

Los retratos de De Jaume despiertan las emociones del espectador aletargado que a través de los sentidos es conducido a un mundo poético y e incluso onírico. Una realidad tan enrarecida como cautivadora nos es presentada como la materialización de un mundo que nos seduce por su extrañeza e innegable belleza.

Ana Ferrero-Horrach. Ciceró dArt

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Sandra De Jaume, “Sin título”, 2016 www.sandradejaume.com

 

Lida Abdul, War Games (what I Saw), 2006 (video still). Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma. © de l’obra: Lida Abdul, 2016

Lida Abdul, War Games (what I Saw), 2006 (video still). Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma. © de la obra: Lida Abdul, 2016

Es Baluard presenta la exposición “Waste Lands: tierras devastadas”, hasta el 19 de junio de 2016 en la planta 0 del museo.

A través de la obra de diez artistas procedentes de países como Afganistán, Argelia, Azerbaiyán, Egipto, Emiratos Árabes Unidos, Irán, Líbano, Marruecos y Palestina, la exposición aborda, desde los años dos mil hasta la actualidad, los paisajes y entornos urbanos, sociales, antropológicos y arqueológicos en países destruidos y empobrecidos por las guerras, la herencia poscolonial, la voracidad depredadora de las compañías de gas y de petróleo y la especulación energética de las potencias mundiales, el terrorismo y la violencia de los estados y de las luchas locales, políticas y religiosas. Tierras arrasadas por poderes y conflictos históricos y estructurales, convertidas en depósitos residuales de armamento, campamentos donde habitan perennemente poblaciones excluidas y familias refugiadas, ruinas expoliadas y lugares abandonados, suelos desertizados, intoxicados y estériles, fronteras de vallas electrizadas. Tierras usurpadas y bienes saqueados, lugares de sangre, crímenes y atentados cotidianos. (Piedad Solans, comisaria de la exposición)

Lida Abdul, Tamara Abdul Hadi, Zoulikha Bouabdellah, Amina Benbouchta, Gohar Dashti, Rena Effendi, Yara El-Sherbini, Mariam Ghani, Kinda Hassan, y Larissa Sansour, son las artistas seleccionadas para esta muestra, cuyas esculturas, instalaciones, vídeos, fotografías, libros y novela gráfica son la materialización de su elección de no aceptación del papel de víctimas. Desde sus posiciones fronterizas y su experiencia de la migración y los conflictos, muestran la inagotable resistencia de sus países para permanecer, adaptarse y subsistir. Denuncian la violencia y la injusticia, la explotación y el desamparo de las personas vulnerables, la destrucción de sus culturas y de sus tierras por los poderes locales y las potencias mundiales.

En eco a esta exposición, Es Baluard organiza el taller “Conflictes arreu. Com ens arriben?” (conflictos alrededor. ¿Cómo nos llegan?), que parte de un proyecto del área de Desarrollo Educativo de Es Baluard. Dirigido a niños y niñas de 6 a 12 años, tendrá lugar los sábados 2, 16, 23 y 30 de abril de 2016 a las 11:30 h. Inscripciones en el teléfono 971 908 201. Precio: 1€ per niño/a. Proyecto en colaboración con Fòrum Comunicació, Educació i Ciutadania de les Illes Balears.

Larissa Sansour, Nation Estate, 2012 (video still). Cortesia de la Galeria Sabrina Amrani, Madrid © de l’ obra: Larissa Sansour, 2016

Larissa Sansour, Nation Estate, 2012 (video still). Cortesía de la Galería Sabrina Amrani, Madrid © de la obra: Larissa Sansour, 2016

Gohar Dashti, Stateless, 2014-2015. Cortesia de l’artista © de l’obra: Gohar Dashti, 2016

Gohar Dashti, Stateless, 2014-2015. Cortesía de la artista © de la obra: Gohar Dashti, 2016

Artículo publicado originalmente en la revista Bonart en su edición impresa de agosto-septiembre-octubre y en su edición digital:  http://www.bonart.cat/actual/la-nit-de-lart-de-palma-2015-de-nit-a-cap-de-setmana/

Alberto Borea. "Inmigrante" (2014). Cortesía de la Galería Xavier Fiol

Alberto Borea. “Inmigrante” (2014). Cortesía de la Galería Xavier Fiol.

Después de una larga trayectoria, la Noche del Arte pionera en toda Europa, la de Palma, ha llegado a su 19ª edición con importantes cambios. Pasado el umbral simbólico de la mayoría de edad, esta nueva cita de la fiesta local más importante y conocida del arte se ha planteado como un punto de inflexión en su historia para analizar los logros conseguidos y fijar el camino que en el futuro se debe seguir.

Para Xavier Fiol, presidente de la Asociación Art Palma, que junto con el AIGAB ha organizado el evento, el objetivo principal de este acto sociocultural ha sido la inauguración de la temporada de exposiciones  acercándose al público e incentivando vocaciones artísticas. En los últimos años se ha visto como la Noche del Arte se ha convertido en un acto cada vez más masificado que no ha comportado, sin embargo, un hábito de consumo constante durante el resto del año. De ahí que la Noche del Arte 2015 haya adoptado en Palma una nueva estrategia. Fiol explica cómo la noche del arte se ha convertido en el fin de semana del arte, añadiendo contenidos más profesionales y especializados. El día principal ha pasado de jueves al sábado 19 de septiembre, destinado al público en general. Los días previos se han dedicado a los perfiles más profesionales, reservándose el jueves antes, a la realización de mesas redondas, debates, etc., y el viernes, a la programación de visitas guiadas para artistas, comisarios y gente de la profesión. Los organizadores remarcan la importancia de continuar con el evento lúdico y festivo, al que no quieren renunciar, pero insisten en la necesidad de fidelizar al público para que las visitas a las exposiciones no se limiten sólo a un día en concreto.

Aparte del programa “oficial” en el que han participado las galerías que integran las dos asociaciones organizadoras, además de otros centros de arte como Es Baluard, el CaixaForum o el Casal Solleric, en los últimos años se ha ido desarrollando un programa satélite y alternativo en otros lugares de la ciudad. Actividades y exposiciones propuestas por asociaciones como el Barrio de las Artes, Arte Visión, Populart o el Puro Hotel, sin duda han enriquecido la fiesta dando visibilidad a un mayor número de artistas que en muchos casos no integran el circuito oficial del arte, reafirmando la diversidad cultural de la tierra y contribuyendo a la democratización del arte. Programación oficial o programación alternativa, sólo el trabajo conjunto de todos los agentes culturales puede conseguir que cada vez más gente tenga la posibilidad real no sólo de acceder, sino de poder disfrutar del arte, a pesar de las condiciones desfavorables en las que trabaja el sector y de la falta de un verdadero apoyo político.

Ana Ferrero Horrach – Ciceró dArt

 

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El diario Última Hora se hace eco de “Ciceró dArt. Gestión Cultural en Mallorca”, y su objetivo de hacer accesible el arte contemporáneo a un público cada vez más amplio. Entrevista a Ana Ferrero Horrach, fundadora de esta plataforma de proyectos  y servicios culturales freelance.

Rebecca Horn: "Glowing Core". Fotografía: Ana Ferrero Horrach

Rebecca Horn: “Glowing Core”. Fotografía: Ana Ferrero Horrach

Glowing Core es el nombre con el que Rebecca Horn, la famosa artista alemana (Michelstadt, 1944), presenta su nuevo trabajo, concebido específicamente para el espacio de La Lonja de Palma y dedicado a Ramon Llull a las puertas de su VII Centenario. La instalación, que será visitable hasta el día 1 de octubre, es una alegoría que, en la línea de los trabajos precedentes de la artista, propone una reflexión sobre los aspectos metafísicos del ser humano. La obra está formada por una escultura central que plantea, de manera clara y visual, cuál es la posición del hombre cautivo entre el cielo y la tierra. El espectador se sitúa al mismo tiempo bajo un gran péndulo dorado a modo de vértice de luz, que simboliza la ascensión, y sobre un espejo giratorio que, situado a los pies, provoca una sensación de caída al abismo. Esta escultura central de un marcado eje vertical, se complementa con 16 esculturas laterales que se contraponen trazando un eje horizontal. ¿Quién o qué es realmente el ser humano? Las medidas humanas de estas 16 esculturas invitan al visitante a plantearse esta pregunta observando su imagen reflejada en el espejo giratorio que a la altura de sus ojos se mueve lentamente como buscando la respuesta a esta cuestión. La obra se completa con una instalación sonora que se funde armónicamente con las campanas de la iglesia de al lado, que, casualmente y periódicamente, intensifican el ambiente de introspección creado por Horn.

La exposición se puede visitar en La Lonja de Palma hasta el 1 de octubre de 2015.

Ana Ferrero Horrach – Ciceró dArt

Artículo para la revista Bonart, edición impresa (agosto, septiembre y octubre de 2015) y digital.

http://www.bonart.cat/actual/rebecca-horn-dedica-un-site-specifif-a-ramon-llull-a-sa-llotja/00

Rebecca Horn: "Glowing Core". Fotografía: Ana Ferrero Horrach

Rebecca Horn: “Glowing Core”. Fotografía: Ana Ferrero Horrach

 

Rebecca Horn: "Glowing Core". Fotografía: Ana Ferrero Horrach

Rebecca Horn: “Glowing Core”. Fotografía: Ana Ferrero Horrach

 

Rebecca Horn: "Glowing Core". Fotografía: Ana Ferrero Horrach

Rebecca Horn: “Glowing Core”. Fotografía: Ana Ferrero Horrach

¿Qué es el arte?

 Dentro de los innumerables e intensos debates que tienen lugar en el terreno artístico, quizá el más fundamental de ellos se revele como el más difícil de resolver:

¿Qué es el arte?

Y es que la noción del arte ha cambiado profundamente a lo largo de la historia, habiendo pasado de ser un concepto más o menos cerrado y aceptado convencionalmente, en el que aspectos como la belleza o la calidad técnica de las obras eran características fundamentales que lo definían, a encontrarnos en la actualidad con una gran variedad de manifestaciones artísticas que superan absolutamente la idea tradicional de lo que se ha considerado como arte. Esto no significa que hoy en día no pueda existir una definición, sino que serían necesarias muchas definiciones (o una global con muchos matices) para poder dar cabida a cada tipo de manifestación artística.

De forma general, el arte actual es una forma de expresión cuya característica principal es, y tiene que ser, la provocación. Provocación en el sentido de incitación, de interpelación, de capacidad para generar una reacción en el espectador; el arte puede hacernos reír, puede hacernos llorar, puede hacernos soñar, puede despertar nuestro espíritu subversivo o inducirnos a la reflexión más trascendental. Y es que el arte puede provocar cualquier cosa menos la indiferencia: lo podemos amar, lo podemos odiar, podemos quedarnos fascinados por su belleza, o indignados por su osadía, pero por favor, que nos toque, ya sea acariciándonos con cosquillitas de placer, o sacudiéndonos como una bofetada en nuestra conciencia.

Los artistas actuales, a la manera de filósofos, activistas, revolucionarios o poetas, expresan su particular visión del mundo a través de unas obras (ya sean objetuales o no objetuales) concebidas en muchos casos para interpelarnos. Bajo una gran cantidad de manifestaciones artísticas diferentes que van desde las tradicionales pinturas y esculturas, pasando por los ready made, performances, acciones, instalaciones, video y net-art, llegando a formas de arte total en las que los limites se destruyen escapándose de definiciones y clasificaciones posibles, los artistas nos ofrecen la oportunidad de salir de nuestro letargo de pensamientos rutinarios al presentarnos sus puntos de vista posiblemente divergentes de los parámetros estereotipados del pensamiento global, introduciéndonos en su mundo fantástico de creatividad, recordándonos historias, seduciéndonos quizá con ideas opuestas a las nuestras, o reafirmándonos en otras.

El arte sirve para llenar de matices nuestra existencia, para enriquecerla e intensificarla, para manchar de colores la paleta monocroma de una vida insulsa sin emociones ni cuestionamientos. El arte es una especie de medicina del alma en la que nunca quedó claro quien es el doctor y quien es el paciente, pues tanto artistas como público se necesitan recíprocamente protagonizando una historia infinita de amor y desengaño.  El arte es la prueba irrefutable de que algún día existimos como sociedad y como individuo, y que nos sirve, en definitiva, para no pasar de puntillas por este mundo.

Ana Ferrero Horrach – Ciceró dArt

Dejamos atrás una de las semanas del año con más movimiento cultural de Madrid: JustMad, ArtMad, ARCO … ferias de arte internacionales que hacen viajar anualmente a la capital a artistas, coleccionistas, críticos y galeristas de todo el mundo. Este año, en este ambiente cosmopolita de marcado acento latinoamericano (no sólo porque Colombia haya sido el país “amigo” de la ciudad, sino por el gran número de galerías participantes de esta zona) destacó como nunca la presencia de los artistas y galeristas mallorquines que han exportado sus propuestas en proyectos en muchos casos de alta calidad. Un total de 11 galerías distribuidas según afinidades con la línea expositiva que plantea cada una de las tres ferias de arte contemporáneo, han sido la ventana desde la que asomarse para dar a conocer a nivel internacional qué es lo que está sucediendo en el mundo del arte mallorquín.

La Galería Fran Reus (Palma), la Galería Addaya (Alaró) y la joven Galería veintinueve 6.13 (Palma) han optado por JustMad, la feria auto-definida como “de arte emergente”, si bien este es un concepto problemático no siempre bien aceptado ni cómodo para los artistas. Fran Reus explica que la elección de los artistas por la feria -Bartomeu Sastre y Nauzet Mayor- ha respondido a una creencia personal en la trayectoria y potencialidad de estos, rehuyendo el dilema de si “gustará o no gustará al público”. B. Sastre plantea en sus trabajos un juego donde el espectador puede interpretar las obras de diferentes maneras, dando pie a la especulación en torno a los principios, finales, infinitos y la posible (no) evolución de los seres. N. Mayor por su parte, recuperando técnicas tradicionales como el dibujo en papel y la cerámica, reflexiona sobre la difícil carrera del artista hacia el éxito, visto como una especie de quimera. Ignaci Prats ha sido la elección de la Galería Addaya, que ha apostado por un proyecto artístico fruto de una importante labor de investigación y de posicionamiento político. “El mundo de los vencedores” refleja un interés por los valores emocionales de la arquitectura plasmados en una serie de fotografías de gran carga significativa.

La presencia mallorquina en ArtMadrid, feria que abarca propuestas artísticas desde principios de siglo XX hasta la actualidad, ha venido de la mano de la Galería Gabriel Vanrell (Palma) y sus artistas Willy Ramos, López Davis y Fernando Suárez. La feria, emplazada en el espectacular Galería de Cristal del Centro Cibeles, también ha acogido el bautizo ferial en el espacio “One project” del nuevo espacio de arte Pep Llabrés Arte Contemporáneo (Palma), que ha presentado una instalación del artista Robert Ferrer i Martorell.

ARCO, para muchos la feria española internacional más importante de arte contemporáneo, ha contado con la participación de seis galerías mallorquinas: Xavier Fiol (Palma), Pelaires (Palma) Kewenig (Palma) Maior (Pollença), Horrach Moya (Palma) y Luis21 (Palma), esta última galardonada con el premio a la mejor exposición de 2014. Mención aparte merece el stand de la Consejería de Turismo de Baleares en la feria, pensado en teoría para promocionar el arte contemporáneo de las islas, pero que en la práctica se ha limitado a exponer básicamente una obra de Joan Miró (no hace falta decir que Miró no es precisamente un artista que necesite de difusión para darse a conocer…).

Pero la importante presencia de la escena artística mallorquina en la capital no se ha limitado a las “ferias oficiales”; “Arteminas”, una nueva feria satélite de vocación muy diferente a las otras en la que los propios artistas han presentado sus obras sin la intermediación de las galerías, ha surgido para dar visibilidad a aquellos creadores baleares que a veces sufren la aislamiento que conlleva la insularidad y el hecho de no estar en el circuito comercial de las grandes “galerías-marca”. Marta Murgades, Miquel Segura, Georgina Gamundi o Luis López, son algunos de los artistas integrantes de esta nueva propuesta ferial que pretende continuar en los próximos años para ayudar a difundir la cultura balear más allá de las fronteras del archipiélago.

Parece que el sector del arte mallorquín empieza a hacerse un lugar en panorama del arte nacional e internacional a pesar del pobre y dudoso apoyo político e institucional. Entre las propuestas artísticas más conservadoras, nuevas caras y nuevas ideas también van consiguiendo a abrirse paso en el complicado mundo del mercado del arte. Aun así, echando un vistazo a los nombres de los artistas presentes en las ferias mencionadas, sigue haciéndose evidente la notable menor presencia de mujeres creadoras. ¿Casualidad, causalidad, falta de tradición? En cualquier caso, una reflexión al respecto se hace más que necesaria.

Ana Ferrero Horrach – Ciceró dArt

Artículo publicado originalmente en la revista Bonart digital:

http://www.bonart.cat/actual/mallorquins-per-madrid-el-sector-artistic-a-les-fires-de-madrid/

Arteminas

Feria “Arteminas” en Madrid. Organizada por Zenitart

Xavier Fiol

Galería Xavier Fiol en ARCO 2015